Clase de Anatomía.

        Este ejercicio consiste en hacer encajar un dibujo dentro de una escena fotográfica y realizar la fotografía de modo que el dibujo forme parte de ella con algún tipo de referencia o continuidad formal.

       

        Para ello se han utilizado láminas de ilustraciones de anatomía que han sido invertidas en monocroma para asemejarlas a radiografías médicas.

       

        Con la colaboración de Dalia.

Buscando a Robin.

El efecto bucle consiste en relacionar una secuencia fotográfica a modo de repetición, donde la primera y la última escena no existen sino que hacen una lectura continua de una misma serie.

Uno de los mejores autores que utilizan el bucle en sus proyectos fotográficos dentro de la fotografía actual es Duane Michals, quien a modo de narración cuenta aspectos de su vida diaria así como también recrea escenas sobre conceptos abstractos como la muerte, o del mundo de la fábula.

Para esta serie se ha trabajado con la relación entre varios espacios, de modo que se ha creado una maqueta a modo de bodegón en la que se ha incorporado al personaje principal con el fin de obtener unos resultados de narración infantil que aludan al mundo de la ficción y la fantasía.

Paramnesia.

        En este caso el efecto que se presenta es el de componer una fotografía en la que ya aparezca una fotografía o imagen que encaje con el espacio o escena a representar.

        Para esta serie se ha elegido como concepto la Paramnesia, esa sensación de haber vivido anteriormente una situación en el momento de estar viviéndola.

        Para ello he seleccionado imágenes de la infancia de mi álbum familiar, imágenes que no fueron tomadas por mí pero que forman parte de mi memoria y mi historia, gracias a las cuales consigo recordar ese momento en el que aprendía andar agarrado a una silla o a responder con la mirada cuando me llamaban por mi nombre… situaciones cotidianas en el pasado que traigo al presente en los mismos lugares donde tuvieron lugar años después.

Ellen Von Uwerth empezó por casualidad en el mundo de la fotografía cuando por entretenimiento se aficionó a retratar a sus compañeras modelos de profesión y sentía que más que estár delante del objetivo en una de sus infinitas sesiones, era ella la que debía estar detrás.

Su estilo está definido por el desenfreno y la espontaneidad con la que consigue captar a las modelos y afirma que parte de ello se debe a sus diez años de experiencia como modelo, sabe lo que se siente al ser fotografiada y por ello crea un clima junto a las modelos que elige para que éstas se sientan a gusto, en confianza.

Asegura que no dirige a sus modelos en las sesiones, sino que les comenta la idea que tiene y que deben actuar con una determinada actitud, pero siempre de forma espontánea y divirtiéndose, ella piensa que las modelos se encuentran más relajadas con ellas que con un hombre fotógrafo, que tal vez ponga la mirada en la sensualidad de su cuerpo.

 

Sus obras están siempre realizadas en analógico, asegura que seguirá así mientras pueda, cree en la magia de observar que el trabajo obtenido tras el proceso de revelado era el deseado en un principio, pero le es difícil encontrar películas de gran calidad que ofrezcan los resultados deseados.

Asegura que no hay nada de cierto en que el retoque digital acorta el trabajo, ya que piensa que el retoque digital nunca acaba, y aunque reconoce que sus fotografías en analógico tienen algún retoque nunca permite que este sea excesivo. También confiesa que prefiere el blanco y negro frente al color porque transmite cierto carácter onírico a la imagen en color.

Un buen consejo que siempre da a los nuevos fotógrafos es que defiendan su estilo, que se diviertan con la fotografía y les apasione lo que hacen ya que solo así encontrarán a un público que se identifique con esas ideas.

      David Sims declara que entró en el mundo de la fotografía de modo casual, como ayudante cuando era adolescente y no encontraba nada que le preocupara. Empezó a formarse y encontró en la fotografía el modo de expresar su interés por el estilo y la creatividad.

       Asegura que siempre estuvo preocupado por crear un estilo diferente, no quería que su trabajo se pareciera al de ningún otro coetáneo suyo, piensa que defender el estilo propio es una prioridad que debe tener el artista, aunque del mismo modo defiende que el trabajo comercial indica unas pautas en su trabajo.

        Desde hace tiempo cataloga su trabajo como puramente comercial algo que ha estado buscando durante largo tiempo, aún así asegura que esto sucede cuando ya llevas un tiempo trabajando y en cierto modo se adquiere un bagaje y experiencia personal.

 

Confiesa que son muchos los autores del pasado los que le han influenciado pero que sobre todo se inspira en el mundo de la música, no le interesa el estudio detallado del escenario sino los personajes que aparecen en su obra, además reivindica el valor de la fotografía sin exceso de retoque, comenta que desde hace poco trabaja en digital por exigencias de sus clientes y que esto le ha ahorrado un tiempo considerable, pero no defiende el retoque asegura que con poca posproducción sus obras están tal y como las planteaba en un principio.

Como consejo defiende la idea de que todo aquel fotógrafo que está empezando a desarrollar su obra debe viajar y experimentar su creatividad con aquello que le preocupa y que le interesa sin dejarse intoxicar por el mercado.

        “Es difícil trabajar si pretendes cumplir las expectativas de los demás.”

David LaChapelle desde pequeño ha tenido una formación artística, influenciada en parte por su madre, confiesa que desde joven la estética pop de Andy Warhol ha formado parte de su vida y por lo tanto en parte una de las mayores características de su obra.

Siempre se ha sentido libre en su trabajo, confiesa que necesita ciertas indicaciones puesto que la total libertar abre muchos caminos en el mundo de la creatividad y en parte condicionar en su junta medida los encargos que le hacen le ayuda a decidirse.

Dice que no le interesa registrar lo novedoso, lo popular, las tendencias, cree que hoy día los fotografos se rigen mucho por la “novedad” y no por lo que realmente a ellos les interesa.

LaChapelle asegura que la labor de fotógrafo entraña la misma dificultad que cualquier otra profesión, pero que para ser un buen fotógrafo se debe nacer con un modo especial de mirar, aún así, asegura que este modo de mirar debe ser entrenado a través de los años y adquirir cierta experiencia a base de realizar distintos trabajos. Cree que en el mundo de la fotografía de moda hay muchos artistas que anteponen crear un estilo a realizar lo que verdaderamente les gusta, anteponen lo que aceptará el público o lo que se mueve en el comercio sin priorizar aquello que aman.

Su mejor consejo es que todo fotógrafo y artista en general debe poner con sinceridad pasión en sus obras ya que si es sincero el público lo entenderá como tal.

Thomas Demand afirma que empezó en la fotografía tras la necesidad de documentar sus esculturas.

       

        Confiesa que no pretende que el público entienda su obra, no le preocupa la libre interpretación que se pueda hacer de ella, pero mantiene la idea de la fotografía no miente y por lo tanto no relaciona su obra con la imitación de la realidad a pesar de que sean maquetas que reconstruyen una realidad con un alto grado de verosimilitud en papel y cartón.

        Asegura que el buen artista es aquel que incide en una temática o concepto y es capaz de ofrecer varios puntos de vistas sobre ese mismo tema, es como buscar distintas soluciones a un mismo problema.

        Demand trabaja en el mismo tema porque le apasiona y aún no se ha cansado de crear escultura para después fotografiarla, además asegura que en ocasiones estas ideas le rondan durante años, otras durante apenas unos pocos de días pero todas siguen el mismo proceso y son en sus últimas semanas de trabajo cuando empieza a visualizar el punto de vista que desea ofrecer al espectador.

       

        Como consejo a los estudiantes de fotografía comenta que le parece bien y correcto que tengan claro cual es el medio que desean usar pero es preciso estudiar de lo general a lo específico dentro del mundo del arte para llegar a conocerlo.

“Habran elegido el medio antes que el contenido.”

www.thomasdemand.

Destino.

Una secuencia fotográfica consiste en crear una imagen partiendo de varias que superponemos creando una composición nueva.

En este ejercicio se ha querido recoger el movimiento de un recorrido, para ello se han precisado de 10 imágenes para cada fotografía definitiva, para acentuar ese movimiento se ha estimado crear trasparencias entre las distintas imágenes que se superponen.

El motivo de la serie Destino, alude al recorrido que cada persona hace en su vida, al propio destino personal en el que en ocasiones se afrontan y abordan problemas o situaciones complicadas.

De este modo las distintas tomas con distintos grados de opacidad aluden al pasado y presente de ese destino, el caballete alude a esos conflictos o problemas que depara ese camino y que cada persona solventa como puede y siempre de modo distinto para cada persona.

Con la colaboración de Reyes y Dalia.

En esta serie de autorretratos se trata de transmitir, además de un retrato físico, un retrato emocional en el que están presentes los rasgos de mi personalidad.

Para ello se han elegido tres imágenes ya que el número 3 es simbólico y domina muchos hechos que han marcado mi vida, el desnudo por su parte trata de mostrar tal cual la naturaleza física, sin artificio ni indumentaria el desnudo representa que me muestro tal cual soy físicamente, el blanco y negro aborda la parte emocional, en la que el razonamiento trata de reflexionar entre las respuestas de Si o No de todos aquellos actos que forman parte de mi vida.

Por otra parte he querido jugar con la dificultad de mostrarme ante las personas que no conozco con un cubismo, que rompe en trozos la imagen, de este modo estoy impidiendo que aquellas personas que no me conocen o creen conocerme no llegan más allá de las simples apariencias y encuentran dificultad para conocer a la persona más allá del físico  o desnudo que intuyen.

El retoque digital y presentación son fríos como mi propia personalidad, poco emotivo y a veces impasivo.

Las imágenes están tomadas con una luz cenital lateral suave, con flash de ventana, ya que quería que fuera lo más natural posible sin demasiada artificiosidad.