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Resistencia y tradición, Ai Weiwei.


En Resistencia y Tradición podemos encontrar algunas de las obras más conocidas del artista chino Ai Weiwei, como es el caso de sunflower seeds, en este caso preservada de la acción del público y denostada a ser vista perdiendo toda intención con la que fue hecha, pisar las semillas de girasol que simbolizan el esfuerzo y sacrifico de la sociedad china.
Ai Weiwei es un artista crítico desde sus orígenes, formado en arquitectura a través de su obra ofrece su visión discordante con la realidad de su cultura y origen, contra el sistema, contra el sometimiento de la sociedad.

aiweiwei.com

La muestra a modo de retrospectiva recoge obras en diversas manifestaciones, como son la terracota, la porcelana china, la instalación con materiales diversos. Todas ellas actúan de forma independiente en salas aisladas pero con el mismo discurso, la tradición y el esfuerzo de la sociedad oriental a la que el propio artista pertenece, para ello emplea un tono crítico pero bastante estético y elegante, huyendo de la obviedad a la que se pueda prestar dicho discurso.

La instalación sunflower seeds fue concebida como millones de pipas de girasol elaboradas manualmente una a una en cerámica y pintadas a mano, la inteción del artista era que estas pipas fueran hechas por personas desfavorecidas de la sociedad china, la instalación propone al público que pise las pipas y estas se vayan rompiendo, simbolizando el esfuerzo y a la vez la fragilidad de su propio pueblo.
Lo cierto es que esta instalación ha perdido sentido en la muestra del CAAC ya que el público no puede acceder a ella, tan solo puede observarla a distancia como si de una pintura se tratase, a través de un cristal.

Por lo general la exposición está bastante bien organizada y las piezas tienen un enorme valor artistico y estético, cargada de simbolismo de tradición oriental, que acerca a través de uno de los artistas chinos más cotizados del momento a la cultura tradicional como es la andaluza y en esto el público puede empatizar con la obra y por ende con el arte. 



Resistencia y tradición, Ai Weiwei
CAAC
Del 1 de Febrero al 23 de Junio de 2013

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Nunca jamás, Historias de niños para adultos.


La exposición recoge una muestra colectiva en la que la materialización del sueño infantil se lleva a cabo a través de una serie de obras que utilizan la estética infantil, bien sea a través de los materiales, los procedimientos o incluso la temática que representan.
Además todas las obras se presentan en distintas manifestaciones; vídeo, instalación, pintura, fotografía, dibujo…


El discurso del arte a través de la infancia es un tema interesante con el que trabajar, ya que nos ofrece múltiples posibilidades artísticas que pueden conjugarse de forma estética, y en ello la exposición Nunca Jamás ha sabido captar la emoción.
La estética infantil se presta fácilmente a la crítica social, tomando como partida la inocencia y la fragilidad de la infancia con la controversia y el punto de vista de la experiencia. Los artistas de la exposición, han sabido aplicar estos conceptos acertádamente a sus obras hablando de distintos aspectos de la sociedad actual desde la delicada infancia.

El recorrido de la muestra se realiza a través de distintas salas en las que cada rincón queda embriagado por la sorprendente presencia de obras artísticas que hacen uso de los elementos arquitectónicos para tomar sentido metafórico.










Nunca Jamás, historias de niños para adultos
Fundación Valentín de Madariaga
Del 24 de Enero al 17 de Marzo de 2013



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IV Jornadas de Naturaleza y el Arte, El poder de la Imagen.


Con el fin de mostrar el grado en que la naturaleza puede influir en la imagen, la Fundación Valentín de Madariaga, recoge en las IV Jornadas de Naturaleza y Arte a varios artistas que trabajan de forma distinta con la naturaleza en distintos ámbitos y discursos artísticos.



Ponencia Julio Criado, galerista.

Naturaleza e imagen contemporánea.

Julio Criado como galerista propone el discurso de la naturaleza en las bellas artes, vinculando esta a la fotografía a través del Land Art en sus orígenes hasta el siglo XX, citando a Robert Smithson y Chuck Close entre otros, pasando por el Pop Art de Ed Ruscha y su desplegable de Building in sunset street.

Criado considera que la transformación de la naturaleza se manifiesta como algo secundario en el mundo del arte, varios son los artistas que trabajan con este concepto, teniendo siempre como referencia de estudio y análisis del paisaje y la naturaleza a los impresionistas y su influencia en autores contemporáneos como; Clara González Ortega, William Eggleston, Hamish Fulton, Bleda y Rosa con sus escenarios bélicos en campos de batalla, Xabier Rivas con su serie flowers, Lara Almencegui, Jesús Micó, Robert Smithson y Jandibbets.



Ponencia Paco Mesa y Lola Marazuela.

Paralelo 45º 25' N. Idea de Norte.

Paco Mesa y Lola Marazuela realizan una presentación sobre su proyecto Paralelo 45º 25’ N,  aún inconcluso.
La obra recogerá a modo de documental gráfico, imágenes tomadas en lugares concretos situados en el Paralelo 45º 25’ N, atravesando distintos países y continentes del globo.
Su método de trabajo es bastante primario, no tienen ninguna intención artística puesto que no se consideran artistas ni se sienten dentro del sistema artístico en su función, ambos artistas tienen como referente a Robert Frank y plantean su trabajo como algo ocasional que tiene como meta recoger y documentar imágenes.
Su lema de trabajo es,
- una idea radical de dibujo
- una aventura
- una misión de exploración geográfica
- una disciplina
- una línea donde se juntan Arte y Vida
marazuelaymesa.blogspot.com.


Ponencia Roberto Luna, artista.

Los horizontes de la naturaleza.

El arquitecto y fotógrafo Roberto Luna busca en sus obras la geometría y serenidad que ofrecen las composiciones simples en las que predomina siempre la línea de horizonte.
Confiesa afrontarse a su trabajo como fotógrafo de forma naif, acompañado de mapas y textos, defiende la idea del espacio natural protegido
“No conocemos la realidad sino la realidad sometida a nuestra manera de interrogarla”
Roberto Luna.


Ponencia Jorge Yeregui, artista.

 El entorno natural-artificial. Habitado-deshabitado. Paisajes mínimos.

Jorge Yeregui es uno de los jóvenes artistas del momento, en sus fotografías hace uso reiterado del espacio natural y sometido al ser humano, lo que el define como “domesticación  del medio” en sus imágenes se acierta una crítica hacia este concepto de sometimiento del medio físico a la mano del hombre.
En la serie cotacero, Yeregui hace una reflexión sobre una serie de espacios naturales en los que fueron diseñados construcciones o que fueron objetivo de esa “domesticación del medio” pero que se mantienen intactos sin que en ellos haya intervenido la mano del hombre pero si la ereosión del tiempo.
Con este último concepto nos presenta la serie sitescapes, en cuyas imágenes podemos ver arquitecturas que han sido olvidadas en las que ha intervenido el tiempo y la naturaleza ce forma desmesurada.


www.jorgeyeregui.com



Ponencia Sema D’Acosta, galerista.

Límites, transformaciones y paisaje. Un acercamiento a la huella del hombre en la Naturaleza a través de la fotografía actual.

Sema D’Acosta, galerista hace un recorrido por el panorama artístico de fotógrafos del siglo XX hasta la actualidad, con ellos nos invita a reflexionar sobre la huella que deja el hombre en la naturaleza a través de su paso en ella, por supuesto, desde un punto de vista artístico y fotográfico.
Margaret Bourke-White, Walker Evans fotógrafos que vivieron las consecuencias de guerras y que registraron sus consecuencias en el paisaje dentro de un contexto determinado.
En otro ámbito Ansel Adams establece un paisaje neorromántico al margen de las consecuencias de la guerra.
Artistas que utilizan la fotografía como medio para su pintura como Luis Gordillo.
Andreas Gursky, Axel Hütte, Simone Nieweg, Edward Burtynsky entre otros muchos citados.






Ponencia Miguel Angel Moreno, artista.

Moreno utiliza el paisaje como un elemento más en su composición. En sus diversas facetas como artista, el paisaje como gran mancha de color crea dinamismo en la composición, no le interesa el contexto más bien todo lo contrario, en ocasiones podemos ver como utiliza objetos desproporcionados de tamaño para enfatizar en este concepto de descontextualización del medio.
Su serie desdibujados, ofrece un paisaje como croma y textura de la imagen, creando una obra bastante plástica y atractiva a la mirada del espectador, en la que las líneas, planos y texturas son materiales esenciales de la composición.

miguelangelmorenocarretero.blogspot.com.


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Álbum de Andalucía, Charles Clifford.


La muestra recoge varias fotografías tomadas por el artista inglés Charles Clifford entre los meses de Septiembre y Octubre de 1862, durante la visita que realizó a las ciudades del sur peninsular como fotógrafo documental de la reina Isabel II de Borbón.
En ella se recogen imágenes sobre arquitecturas palaciegas, casas consistoriales, iglesias, plazas  y calles emblemáticas de las ciudades andaluzas que visitó.


Las imágenes presentan un formato A3 en blanco y negro, en planos generales con una composición estática y en ocasiones simétricas, debido a la temática arquitectónica, siempre en exteriores con luz natural, son tratadas como postales, de hecho muchas de estas imágenes de Clifford fueron vendidas como postales en la sociedad del momento.

Las escenas se presentan en un contexto propicio como es el Antquarium de Sevilla, dado que las imágenes se centran en la muestra de toda una serie de edificios históricos emblemáticos de la ciudad, en ocasiones en ellas aparecen elementos que contextualizan la escena, bien sean personas, carruajes o mobiliario urbano.
Se trata de una exposición muy interesante para la fotografía ya que es bastante extensa y es un documento gráfico muy valioso sobre el patrimonio artístico y cultural de Andalucía.


Álbum de Andalucía, Charles Clifford
Antiquarum de Sevilla
Del 5 de Diciembre de 2012 al 28 de Febrero de 2013




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Lugares comunes.



Ficha técnica

Dirección: Adolfo Aristarain
Producción: Adolfo Aristarain, Gerardo Romero, Josean Gómez.  
Guión: Adolfo Aristarain, Kathy Saavedra.
Fotografía: Porfirio Enriquez.
Montaje: Fernando Pardo.
Año: 2002
Género: Drama.
País: España, Argentina.

Sinopsis.
         Lugares comunes narra la historia de Fernando Robles, un veterano profesor de literatura, y Liliana Rovira, su mujer, que trabaja como asistente social en barrios marginales de Buenos Aires; ambos queridos y respetados por su entorno y amigos, viviendo juntos y felices. Sin embargo, esta tranquilidad se verá afectada por la jubilación anticipada que recibe Fernando, debido a la crisis en el país. Esto les obligará a replantearse su situación y quizá a pedir ayuda a su hijo, emigrado en España, que ha prosperado y se ha aburguesado, abandonando su vocación literaria para dedicarse a la informática. Esta relación con el hijo tiene aspectos traumáticos, ya que su vida simboliza todo aquello que Fernando y Liliana, muy de izquierdas, repudiaron siempre.
       Apoyados en su amigo de toda la vida, Carlos Solla un abogado de cierto prestigio, Fernando y Liliana toman la decisión de trasladarse a vivir a una chacra en la provincia de Córdoba, Argentina, vendiendo su departamento, poniendo así fin a sus problemas económicos e iniciando una nueva vida. En el viaje al campo se hacen ilusiones de continuar siendo felices viviendo con más austeridad, pero la experiencia resultará más amarga de lo previsto.

Análisis argumental.

    La película se centra en la solventación del problema económico que sufren los protagonistas, representando la situación de desconcierto y confusión que produce la noticia de la jubilación anticipada en Fernando y como trata de buscar la solución acertada para no romper sus principios políticos izquierdistas.
        En la búsqueda de la solución, el argumento trata temas de conflictos familiares, como son la relación con su hijo, conflictos de pareja o la posible infidelidad, así como el apoyo de decisiones entre la pareja protagonista.
        El argumento se hace dinámico ya que la historia es contada pausadamente con todos los giros argumentales propios de este género, todo en la historia parece previsible incluso la conclusión con el fallecimiento del protagonista, ya que cuando se ha solucionado el conflicto económico y la pareja acostumbrada a la vida urbana comienza a habituarse a la vida rural Fernando comienza a sentirse mal y el espectador puede advertir fácilmente que la conclusión final está en su fallecimiento como acertadamente ocurre.
       
        Análisis de la imagen.
        La película hace un uso reiterativo de planos medios y cortos, en muy pocas ocasiones podemos ver planos generales para contextualizar la escena y cuando aparecen suelen ser en duraciones cortas de tiempo sin mantenerlos más de lo preciso, en este aspecto la utilización del plano corto está justificada al tratarse de un film de género dramático, ya que con estos planos el espectador puede centrarse en la expresión y reacción de los personajes.
        Por otra parte la imagen presenta una gama cromática cálida en la que predominan los colores ocres y marrones muy luminosos que transmiten al espectador la sensación de hogar y de calidez familiar, la luz juega un papel muy importante ya que todas las escenas se encuentran perfectamente iluminadas de forma difusa nunca con luces duras, de este modo se transmiten las emociones de melancolía de los personajes, siempre con luz natural, y en el caso de que aparezca la luz artificial, esta vuelve a ser cálida y centrada en varios puntos estratégicos de la escena para no provocar sombras opacas.

        Conclusión.
        Teniendo en cuenta la historia en si, la pelicula muestra cierto interés pese a estar rodada en 2002, porque se asemeja bastante a la situación social y económica actual en España, pero en este caso se centra en la crisis Argentina. A pesar de esto no ha conseguido transmitir bajo mi opinión la dureza de este tipo de situaciones, ya que varios hechos se salen de contexto, como la posición adinerada de los protagonistas y la facilidad de resolución de los problemas que sortean, al tratarse de drama con una conclusión trágica se espera que la película esté suavemente “edulcorada” pero en este caso la pelicula peca de exceso.
     En cuanto a la imagen, objetivamente no cabe añadir ninguna pega, los encuadres, iluminación, angulaciones, tonalidades, escenas elegidas, interiores y exteriores… son bastante buenos y ayudan a hacer más dinamica la lectura de la trama.


Antonio Garbla. Con la tecnología de Blogger.

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